COMENTARIOS DE CINE.
Por Prometeo (01-11-2015)
"LA VISITA". Este tipo de películas de terror-intriga-miedo siempre crea grandes expectativas por el efecto que nos pueden llegar a producir. Dos hermanos, un niño y una adolescente, va a visitar a unos abuelos a los que no conocen para pasar unos días con ellos. Lo que al principio parecen rarezas de los abuelos se van tornando en hechos intrigantes para acabar en hechos terroríficos. El planteamiento parece atractivo, pero luego la película defrauda un poco. Más de la primera mitad de la película transcurre entre algunos actos "excéntricos" de los abuelos y los diálogos, insulsos e intrascendentes, de los dos hermanos. No sé por qué la industria del cine estadounidense suele tratar los diálogos entre niños (o jóvenes) como si de adultos se tratara. La profundidad y madurez de un personaje joven no se consigue con un diálogo impropio de su edad.
"MAMA". Nueva película de Julio Médem (director, productor y guionista), en la línea de este siempre interesante director, en la que introduce su simbología, mezclando realidad con sentimientos en un montaje también siempre interesante. Historias de amor, desamor, dolor y superación suelen ser constantes en su cine, y en esta película no es menos. Nos cuenta una historia tan cotidiana y habitual y tan proclive al melodrama más insufrible (mujer con un hijo que lucha por superar un cáncer de mama) que se podría dudar que Médem sacara adelante esta historia con buen pie. Pues lo hace y con nota, con la ayuda de unos actores a los que sin duda sabe dirigir. Luis Tosar como siempre creíble y metido en el papel (en un registro lleno de amor y ternura poco habitual en sus trabajos), Penélope Cruz en un difícil punto exacto que evita el melodrama fácil, efectista y lloricón a pesar de la historia, y un Asier Etxeandía sobre el que gira parte de la historia, en el papel de médico implicado más allá de lo que requiere su función, demostrando su capacidad interpretativa y regalando su voz en algunas canciones.
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"EXTINCTION"
Dirigida por Miguel Ángel Vivas
Comentario de Prometeo (23/08/2015).
La película comienza con un ataque de zombis a un autobús lleno de personas, entre ellas los dos hombres protagonistas, Matthew Fox (Patrick) y Jeffrey Donovan (Jack) y la madre de la niña, ésta Quinn McColgan (Lu). Esta parte nos introduce en la ambientación posterior de la historia. Acto seguido la situación se traslada a 9 años después, en un pueblo perdido y constantemente nevado, en el que viven por separado un de los hombres y el otro hombre junto a la niña, y en el que la amenaza zombi parece haberse disipado bastante. Esta parte consume gran parte del metraje de la película y prácticamente intenta definir y profundizar en los personajes. Y finalmente, tras aparecer en escena una nueva superviviente, Claro Lago, tiene lugar el asedio de unos zombis inexplicablemente evolucionados y adaptados al medio.
La última parte es del más puro género zombi, con el asedio de éstos a los protagonistas. muy bien realizada, al límite y totalmente convincente. El final ya lo juzgarán ustedes si van a verla, pero a mí me habría gustado algo más..., no lo diré, que es el final.
"MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA"
Por Prometeo (01-11-2015)
"LA VISITA". Este tipo de películas de terror-intriga-miedo siempre crea grandes expectativas por el efecto que nos pueden llegar a producir. Dos hermanos, un niño y una adolescente, va a visitar a unos abuelos a los que no conocen para pasar unos días con ellos. Lo que al principio parecen rarezas de los abuelos se van tornando en hechos intrigantes para acabar en hechos terroríficos. El planteamiento parece atractivo, pero luego la película defrauda un poco. Más de la primera mitad de la película transcurre entre algunos actos "excéntricos" de los abuelos y los diálogos, insulsos e intrascendentes, de los dos hermanos. No sé por qué la industria del cine estadounidense suele tratar los diálogos entre niños (o jóvenes) como si de adultos se tratara. La profundidad y madurez de un personaje joven no se consigue con un diálogo impropio de su edad.
Película que defrauda y que tan sólo en los momentos finales consigue atraer la atención del espectador, y ello a pesar de determinadas escenas que, en pleno momento dramático, casi mueven a la risa. Yo la recomendaría sólo para incondicionales del género.
"MAMA". Nueva película de Julio Médem (director, productor y guionista), en la línea de este siempre interesante director, en la que introduce su simbología, mezclando realidad con sentimientos en un montaje también siempre interesante. Historias de amor, desamor, dolor y superación suelen ser constantes en su cine, y en esta película no es menos. Nos cuenta una historia tan cotidiana y habitual y tan proclive al melodrama más insufrible (mujer con un hijo que lucha por superar un cáncer de mama) que se podría dudar que Médem sacara adelante esta historia con buen pie. Pues lo hace y con nota, con la ayuda de unos actores a los que sin duda sabe dirigir. Luis Tosar como siempre creíble y metido en el papel (en un registro lleno de amor y ternura poco habitual en sus trabajos), Penélope Cruz en un difícil punto exacto que evita el melodrama fácil, efectista y lloricón a pesar de la historia, y un Asier Etxeandía sobre el que gira parte de la historia, en el papel de médico implicado más allá de lo que requiere su función, demostrando su capacidad interpretativa y regalando su voz en algunas canciones.
Película emotiva, con los toques que caracterizan a su director, y a la que, de todas forma, hay que ir provisto de una buena colección de pañuelos, pues la historia no deja indiferentes nuestros sentimientos y emociones. Agradable de ver a pesar del tema, muy sensual y con mucho amor, superación y perdón. Mi recomendación particular es que hay que ir a verla.
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"EXTINCTION"
Dirigida por Miguel Ángel Vivas
Comentario de Prometeo (23/08/2015).
Tenía ganas de ver esta película del director Miguel Ángel Vivas, en cuya filmografía obran títulos conocidos como "Reflejos" y la impactante "Secuestrados".
Es fácil catalogar esta película como de género zombi pos-apocalíptico, pero su argumento va más allá, o al menos lo pretende. La película nos narra las tensiones en la relación de dos hombres, en medio de la cual se haya una niña, quienes viven en un perdido pueblo como únicos supervivientes en un mundo pos-apocalíptico destruido por una infección.
La película comienza con un ataque de zombis a un autobús lleno de personas, entre ellas los dos hombres protagonistas, Matthew Fox (Patrick) y Jeffrey Donovan (Jack) y la madre de la niña, ésta Quinn McColgan (Lu). Esta parte nos introduce en la ambientación posterior de la historia. Acto seguido la situación se traslada a 9 años después, en un pueblo perdido y constantemente nevado, en el que viven por separado un de los hombres y el otro hombre junto a la niña, y en el que la amenaza zombi parece haberse disipado bastante. Esta parte consume gran parte del metraje de la película y prácticamente intenta definir y profundizar en los personajes. Y finalmente, tras aparecer en escena una nueva superviviente, Claro Lago, tiene lugar el asedio de unos zombis inexplicablemente evolucionados y adaptados al medio.
Ésta pretende ser una película de personajes, cuyo conflicto se muestra a través de flashbacks que no acaban de encajar perfectamente en la historia, y que pretenden justificar la mala relación entre los hombres.
Técnicamente está bastante bien realizada, a pesar de que parece no estar apoyada en un gran presupuesto, lo que se convierte en una cualidad más a tener en cuenta. Los personajes, muy bien interpretados por todos, incluida la niña y Clara Lago, quien tiene un papel muy corto y en la parte final, resultan creíbles, más por su interpretación que por la profundidad de sus diálogos y personajes, cosa que se echa en falta, y más tratándose de una película de personajes.
La última parte es del más puro género zombi, con el asedio de éstos a los protagonistas. muy bien realizada, al límite y totalmente convincente. El final ya lo juzgarán ustedes si van a verla, pero a mí me habría gustado algo más..., no lo diré, que es el final.
En definitiva una película de zombis bien realizada y dirigida pero con algo más, tal vez con una tensión dramática poco aprovechada en su parte intermedia,y una definición de personajes por debajo de las expectativas generadas por la propia historia, pero con escenas de zombis memorables que harán las delicias de los incondicionales del género, como yo.
Mi recomendación es que vayan a verla sin más pretensión que la de pasar un buen rato, y seguramente ya les compensará por sí la buena dirección y el buen trabajo de los actores, razón suficiente para encontrarla interesante. Si no les gusta el género de zombis, no creo que tenga mayor interés, a pesar del carácter dramático de la relación de los protagonistas, pues tal vez ello sea lo más flojo de la película, o al menos yo acabé con la sensación de que podía haberse profundizado y justificado mejor.
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"MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA"
de Woody Allen
Comentario de Prometeo (14/12/2014)
Después de dirigir “Blue Jasmine”, creo que una de sus mejores películas de los últimos años, Woody Allen vuelve a uno de sus tópicos en cuanto a contenido con “Magia a la luz de la Luna”, una comedia romántica, más bien ligera, en la que vuelve a tocar el tema del racionalismo científico, cercano al empirismo, frente al carácter transcendente de la religión y la idea de Dios y del más allá –lo racional frente a lo irracional-, todo ello aderezado con, tal vez, el único sentimiento capaz de competir, sin argumentos, frente a la discusión de las dos posiciones antagónicas dichas, el amor.
La acción se sitúa en 1928 (no es la primera vez que recurre a esa época). Un famoso mago, racionalista, cientificista, culto, seguro de sí mismo, prepotente, irónico y sarcástico (protagonizado por Colin Firth -Stanley-), es invitado por un compañero de profesión a desenmascarar a una joven y dulce señorita que actúa como médium y adivina (protagonizada por Emma Stone -Sophie-), que se encuentra ejerciendo sus poderes en la Costa Azul de Francia al servicio de una acaudalada familia, cuyo hijo está abiertamente enamorado de ella. El racionalista mago, cuyo argumento es fácil y directo –la mediun es una farsante ya que dice entablar conexión con el más allá, lo cual es imposible ya que científicamente es evidente que ese más allá, del que ninguna experiencia tenemos, no existe-, verá que no es tan fácil como creía desenmascarar a la joven, por la que, poco a poco, va sintiendo cierta atracción. Y poco más puede desvelarse para evitar perder el interés por el camino que toman los acontecimiento, incluido el final.
Explicado así parecería una película más marca Allen, y en general lo es, lo que le quita originalidad y sorpresa. Sin embargo añade unos elementos que la hacen interesante y entretenida, y que podríamos resumir en los siguientes:
1- La construcción del personaje de Colin Firth –Stanley-, altivo, prepotente y con una excesiva seguridad en sí mismo (que le hace sentirse superior, incluso genial), le permite unos comentarios llenos de ironía y sarcasmo hacia los demás (en especial hacia Sophie), originales y llenos de un humor contenido que hace sonreír en muchas ocasiones.
2- Asimismo, el personaje de Sophie podría definirse de una inocencia maliciosa, capaz de defenderse por sí sola frente a los insidiosos comentarios de Stanley, yendo poco a poco ganándole terreno a éste, hasta trastocar sus más sólidas creencias, algo inicialmente impensable.
3- Como suele ser habitual en Allen (aunque sea más de lo mismo), hace unas buenas descripciones psicológicas de sus personajes, construye un interesante lenguaje coloquial culto y filosófico, con acertadas alusiones a Nietzsche y Freud, y con la discusión de fondo sobre Dios y su necesidad para la felicidad. En este caso construye un argumento en el que puede adaptar a la perfección esos diálogos.
4- A pesar de no ser una gran producción (a película por año difícilmente lo puede ser), se cuida con esmero la ambientación, el vestuario y la fotografía, lo que siempre es de agradecer y redunda en la calidad final del producto.
5- El trabajo de los dos actores principales (Colin Firth y Emma Stone) es impecable. Tanto la relativa y contenida comicidad del personaje de él como la inocencia del de ella, que deja traslucir intenciones nada inocentes, bases en las que se asienta la fuerza expresiva de la historia, se transmiten eficazmente por los actores. Y de los personajes secundarios (muy cuidados tanto en la historia como en los actores que les dan vida) decir que también están llenos de matices psicológicos que ayudan a definir y matizar los diálogos y pensamientos que representan los dos personajes principales, conformando como un todo unificado la historia que se cuenta.
En cuanto a la dirección, poco tiene que demostrar ya Woody Allen, que saca adelante cualquier proyecto con su sólo oficio. En este caso creo que está correcto, como toda la película, que no parece tener mayores pretensiones que las de mostrar con calidad el mundo propio que ha creado y le caracteriza.
Como aspectos negativos, diría dos, que más que negativos serían realmente limitaciones. El primero ya lo he referido al decir que es una película más marca Allen, con la típica música de charleston y jazz que tanto usa (incluidos los títulos iniciales), y sometida a sus conocidos tópicos y diálogos, lo que, si bien visto como película aislada serían virtudes, dentro de la filmografía del director le resta originalidad y frescura. El segundo es la coherencia interna de la historia. El giro que toman los acontecimientos y el final podrían entenderse algo forzados, aunque creo que bien entendido no tanto. Claramente el director (también autor de la historia) busca mostrar debilidades y fortalezas del género humano, y creo que la historia está también al servicio de ello, por eso no estoy muy de acuerdo con las críticas que he leído que tachan de increíbles y poco realistas los cambios en la historia y determinadas escenas como la del observatorio astronómico donde se resguardan de la lluvia Stanley y Sophie. No hay que buscar coherencia en esas situaciones, sino formas de explicar el comportamiento humano. Es por todo ello que esos dos aspectos negativos lo son relativamente.
Para terminar diré que desde luego es una película a la medida de los incondicionales de Woody Allen, pero que, en cualquier caso, entretiene por su contenido y la perfecta factura de su ejecución, con toques de humor que la amenizan y facilitan su comprensión, nada difícil por otro lado, ya que, al fin y al cabo, trata de algo más mundano que las referencias filosóficas que la ilustran, el amor, sin desmerecer la vieja discusión entre lo racional y demostrable (ciencia) y lo irracional e inexplicable (Dios) que contiene. Entretenida y agradable de ver y escuchar, merece la pena ir a verla, y así descansamos un poco también de tanta acción, violencia y fantasía de las películas que llenan las carteleras.____________________
“CARMINA Y AMÉN”
Por Prometeo (18 de mayo de 2014)
La madurez del cine español es un hecho probado. Directores como Jaume Balagueró, Amenábar, Almodóvar o Zambrano, y muchos otros, nos han enseñado que existen un cine más allá de Hollywood, con más matices, más original, más rico…, y más nuestro.
Y cuando ya estamos acostumbrados a tener el listón tan alto llega Paco León con sus dos películas sobre Carmina, la última, de la que hablamos hoy, “Carmina y amén”. Yo sólo hablo, y desde mi punto de vista particular y mis gustos, de películas que he visto. Y es que hacer lo contrario obliga a hacer previsiones no siempre acertadas. Y lo digo por que hace pocos días leí una crítica sobre esta Película, entonces pendiente de estreno, y su financiación, cuestión ésta en la que yo no entraré. El crítico vaticinó el desastre económico a una película minoritaria a la que el gran público se negaría a pagar el dinero habitual de una entrada para verla. La realidad ha acabado por no darle la razón.
“Carmina y amén” es una película fácil de ver, pero a la vez llena de matices que la enriquecen y de pequeños gestos que dicen mucho. La película y su sentido van más allá de la fácil palabra mal sonante, de la gracia de las ocurrencias de su protagonista o del gesto cotidiano que todo lo envuelve. Sí se trata de una comedia, pero no de una comedia cualquiera, sino de una comedia dentro de un drama. La muerte está presente en toda la película y de forma especial al principio y al final, pero la vida, a pesar de la presencia o el acecho de la muerte, sigue adelante.
Es una comedia diferente a las que últimamente, también españolas, hemos visto en el cine. Es diferente porque se guía por parámetros propios, una especie de submundo creado por su director, Paco León, a la medida de sus personajes hasta encajar a la perfección.
Los actores están a la altura de lo que nos tienen acostumbrados. Y mención especial merece en esta ocasión Yolanda Ramos, una “psicoterapéuta” algo peculiar que nos hará reír con su charla.
En los planos del entierro del marido de Carmina, el director parece tomarse cierta licencia plástica a la hora de mostrarlos, sin duda de gran belleza, aunque fuera del tono general de la película. Y hablando del director, la película rezuma una dirección muy trabajada, especialmente con los actores, creados en la medida exacta que se propone el director. Al menos esa es la sensación que me produce.
Una película entretenida, diferente, original, sana y que, además, nos hará reír. Eso creo que ya es más que suficiente para ir a verla. Lo demás ya lo juzgarán ustedes mismos.
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"OCHO APELLIDOS VASCOS"
Por Prometeo (4 de mayo de 2014)
"Ocho apellidos vascos" es una comedia con gracia. A primera vista decir que una comedia tiene gracia parece una redundancia, pero la realidad nos demuestra que no siempre es así. Así que insisto, es una comedia con mucha gracia.
De sus cuatro protagonistas principales, Clara Lago, Dani Rovira, Carmen Machi, Karra Elejalde, destacaría a Karra Elejalde, un actor que personalmente me gusta por la pasión y credibilidad con que viste sus personajes, y Dani Rovira, por la gracia con la que interpretan sus personajes. Incluso creo que ellos dos son lo mejor de la película. Se trata de una comedia romántica de enredo, de las de toda la vida, lo que lleva a preguntarme dónde está la razón del enorme éxito que está teniendo, en principio muy por encima de las expectativas que inicialmente se podrían atribuir a una película de este estilo.
Tal vez sus virtudes sean la simplicidad, la comicidad personal e individual de los personales, que llevan todo el peso de la película, más que el guión, y la forma desenfadada y sin complejos de tratar un tema tópico, conflictivo y hasta político, lo que hace que verdaderamente nos olvidemos de la realidad que hemos dejado fuera de la sala de cine.
Pero por encima de todo es una película simple y sin más pretensión artística que la de hacernos reír (porque hace reír es un arte), por lo que a pesar de las virtudes antes señaladas no veo justificada la relación real entre la película y el éxito que está teniendo. Eso sí, éxito significa conexión con el público, verdadera entretenimiento, y no voy a negar lo evidente. Lo que quiero decir es que viendo la película no le vaticinaría el gran éxito que está teniendo. Y voy a poner un ejemplo. Cuando fui a verla me sorprendió que al final los asistentes aplaudieran espontáneamente. No recuerdo haber asistido a una película en la que sucediera eso. Algo tiene esa película que gusta, y no es precisamente la producción artística, ni un guión elaborado, ni una interpretación de premio... No me queda más que creer que su éxito radica en su simplicidad, en que ha conectado con cierta necesidad del público de reírse de sí mismo, de sus tópicos, de forma abierta y sin concesiones. Y esto sí es difícil de conseguir.
Estos últimos meses he visto producciones de comedias mejores que ésta, a mi parecer, como "La gran familia española" o "¿Quién mató a Bambi?", y sin embargo no han tenido el mismo éxito. Para mi gusto, y salvando las distancias "¿Quién mató a Bambi?" es la mejor, a la que creo que no se le ha hecho verdadera justicia en cuanto a su valía. Pero el público es el que manda, y para la industria del cine el crítico más importante es el público, y a él se debe. El espacio del arte está un poco más allá. En cualquier caso nunca debemos confundir éxito con calidad (la película de la hablamos hoy es ese caso) ni viceversa.
Y en cuando a "Ocho apellidos vascos" no queda más que felicitarla por su éxito, pues si es el público quien lo otorga, siempre será merecido (aunque a la inversa no funcione igual). Yo invitaría a todo el mundo a verla, pues pasará un rato agradable sin más pretensiones, reducirá toxinas a base de risa y conseguirá olvidarse por un rato de sus problemas diarios.
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"CAPITÁN PHILLIPS"
Por Prometeo (3 de noviembre de 2013)
Esta película recrea el secuestro de un barco comercial de transporte estadounidense frente a las costas somalíes, por piratas de este país. Tom Hanks es el capitán del barco, que deberá hacer frente a la situación.
Dos culturas distintas, muy distintas, se enfrentan. Por un lado la mentalidad estadounidense, con sus reglas y su poderío, que sólo puede defenderse con mangueras de agua frente a un ataque armado, y por otro la de los piratas, capaces de cualquier cosa por algo de dinero, de arriesgar sus miserables vidas por un secuestro del que se lucran otros.
Lo primero que se pregunta uno es ¿cómo cuatro desalmados con metralletas, desorganizados y en una lancha que casi no puede contra las olas, es capaz de abordar un gran barco de mercancías con veinte tripulantes? Vean la película y lo entenderán.
El director, Paul Greengrass, hace con esta película un cine muy directo y realista, en el que simplemente las cosas van sucediéndose una tras otra, consecuencia de la decisión anterior, aunque ello no resta mérito a un guión que sabe contar bien la historia, bien engranada y que va atrapando poco a poco, desde la normalidad de la primera parte, contrapunto esencial para crear la tensión posterior, hasta la especialmente conseguida tensión de la última parte en el bote salvavidas, pasando por una segunda parte con la persecución en barca, el abordaje y secuestro. Tal vez a esas dos primeras partes les sobre algo de metraje, para mi gusto, pues dos horas y cuarto dan para mucho y creo que no justifican la historia contada.
Se agradecen dos cosas en la película. Primero, el trato dado a los secuestradores, sin caer en tópicos propios de la industria de Hollywood, de los que se hace un seguimiento necesario para dotar a la historia de la verisimilitud y realismos que nos atrapan, y para entender las razones que mueven a esos piratas. Se parte de una pequeña población en la costa somalí donde se recluta el grupo que intentará el asalto. Segundo, no se juzga a los personajes y sus decisiones, ni al capitán, ni a la tripulación ni a los piratas, más bien se nos muestra lo suficiente para que nos metamos en la piel de cada uno de ellos y seamos nosotros mismos quienes les juzguemos.
¿Qué decir de Tom Hanks? Guste o no hay que reconocer la seriedad y la solvencia de sus trabajos, y este no es menos. Tanto su interpretación como su personaje aguantan perfectamente todo el peso de la película, aunque eso es algo a lo que ya debe estar acostumbrado. Verle es, sin duda, un de los alicientes de la película. Otro aliciente es el apreciable trabajo de los piratas, y en especial el de su jefe, interpretado con mucho acierto por Barkhad Abdi, en cuya piel acabamos metiéndonos.
Especial mención me merece la parte final de la película, la que sucede en el bote salvavidas, donde se crea una tensión que va en aumento, medida con cada escena, cada plano, cada gesto contenido, cada actitud. Toda una clase de buen hacer y perfecta urdimbre tejida con buena dirección y buena interpretación.
A pesar de todo lo dicho, del buen oficio mostrado, a la película le falta cierto toque para ser realmente especial, tal vez sea el propio carácter de la película, narrar un hecho de forma más o menos lineal, y conocerse de antemano lo que va a suceder y ser en parte previsible.
Lo que más me ha gustado ha sido las interpretaciones de Tom Hanks y Barkhad Abdi, los dos personajes enfrentados –capitán y jefe pirata-, la forma en que son tratados éstos y la parte final que sucede en el bote salvavidas. Lo que menos me ha gustado ha sido que el genio del director está más al servicio de la historia, en momentos con toques que se acercan al documental, que ahoga en sí misma las posibilidades de acercar más la cina a lo que es una obra de arte, el largo metraje, y la forma de presentar a las fuerzas especiales estadounidenses que aparecen al final, la parte más tópica de toda la película a mi entender.
Película entretenida y amena, distraída y de calidad que merece la pena ir a ver. No creo, como he leído por ahí, que sea una de las mejores o la mejor interpretación de Tom Hanks, ni es de las mejores historias que he visto en el cine, pero tiene alicientes más que suficientes para hacerse merecedora de nuestra atención por unas horas.
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INSIDIOUS. Capítulo 2.
Por Prometeo (27 de octubre de 2013)
Película del género de terror, con espíritus, muertos que van y vienen, apariciones, objetos que se mueven …, esto es, con todos los ingrediente propios de este subgénero de lo sobrenatural, casi siempre tan efectista y efectivo.
A grandes rasgos trata de una familia que ya sufrió la visita de lo sobrenatural (muertos más o menos malignos que quieren algo del mundo de los vivos), que ahora advierte que esa conexión aún no ha desaparecido, debiendo enfrentarse con ese espíritu que no les abandona.
El propio nombre de la película ya es revelador, pues no se trata de una segunda parte al uso, sino de una continuación totalmente dependiente de la primera película, de forma que no se entiende completamente si no se ha vista aquélla, es decir, es realmente el segundo capítulo de la historia.
No puedo dejar de compararla con la primera parte (o capítulo), pues en realidad utiliza el mismo recurso que en aquélla (la visita del sitio de los muertos, un lugar oscuro y perdido que ponía una nota de originalidad en el guión y en la fotografía), no aportando en realidad nada nuevo o novedoso. Eso unido al recurrente recurso del susto (sobresalto) fácil y previsible (objetos que se mueven, apariciones repentinas, puertas que se abren) nos deja una película que, a mi parecer, no consigue estar a la altura de la primera parte desde el punto de vista artístico.
El guión hace que la historia pueda parecer un poco confusa al principio. A pesar de todo no puedo negar la algo más que correcta dirección del malayo James Wan, que sabe utilizar perfectamente los recursos habituales de este tipo de películas y crear la atmósfera necesaria para atraparnos. Y en verdad parece que de eso se trata, de sacar provecho a una historia que funciona, de hacerla rentable, y no puedo negar que eso lo consigue, según me lo confirman los gritos y comentarios de miedo en la sala durante el visionado de la película. Wan consigue lo que se propone, eso sí, lejos de hacer un producto original y a la altura de su talento, pero el cine también es un negocio, y a eso es a lo que no renuncia esta película.
Lo que sucede es que cuando pensamos en el James Wan de “Insidious”, de la saga “Saw” o de la reciente “Expediente Warren”, esperamos algo más que un buen producto de buena venta.
En esta ocasión vuelve a contar con Patrick Wilson (también lo vimos en la citada “Expediente Warren”), quien hace más creíble la historia.
Como aspectos positivos destacaría la dirección y atmósfera que envuelve la historia, y como negativos el uso de recursos tópicos y convencionales, y la sensación de que estamos acabando de ver la primera entrega de Insidious, es decir, que no aporta nada a aquélla. Desde luego bastante “flojilla” para lo que me esperaba. En cualquier caso he de reconocer que entretiene, y que si te gusta este género en particular no has de perdértela.
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PRISIONEROS
Por Prometeo (20/10/2013)
Esta película es un thriller que trata sobre la desaparición de dos niñas pequeñas, hijas de dos familias amigas y vecinas. La policía inicia las pesquisas y rápidamente dan con quien parece ser el autor del secuestro, un extraño y perturbado psíquico (Paul Dano) a quien no consiguen arrancar una confesión. Insatisfecho con los resultados obtenidos por el policía que está al frente de la investigación (Jake Gyllenhaal), uno de los padres, de carácter impetuoso y algo descontrolado (Hugh Jackman), inicia su propia andadura para encontrar a las niñas, dispuesto a cualquier cosa para conseguirlo.
No se trata de una historia nueva ni original (el malo como siempre es muy malo), y de hecho sería otra película más del género si no fuera por las virtudes en la forma de contarla y los muchos matices que transmite la dirección de Denis Villeneuve. Para mi forma de entender estamos ante un thriller con más virtudes que defectos, y eso es lo que hace atractiva esta película, cuya duración (casi dos horas y media), por cierto, me ha parecido excesiva.
La historia tiene muchos aspectos distintos, de hecho da varios giros que nos hacen dudar sobre la culpabilidad o no de determinados personajes, en un juego que consigue capar nuestra atención, cosa que a lo largo de la película lejos de decaer aumenta hasta el mismísimo final, pues entran en escena personajes y claves inesperadas que enriquecen la historia y aumentan la intriga, ya sabemos que este tipo de historias quieren sorprender, es uno de los ingredientes fundamentales de este género.
Tal vez la primera parte de la película haya sido lo que me ha resultado más decepcionante, en cuanto que me pareció la parte más convencional de la película: presentación de la historia, de los personajes, detención de un sospechoso de libro, falta de avance en la investigación, un padre insatisfecho con los resultados… Hasta que este padre insatisfecho decide actuar por su cuenta. Da mucho juego la actitud de ese padre, temperamental e irascible, decidido a hacer lo que haga falta, no sólo por los hechos que acaecen, sino también por el dilema moral que se plantea entre hacer lo correcto y hacer lo necesario, es decir, ¿hasta dónde estamos dispuestos a llegar para salvaguardar lo que más queremos? Tal vez este ramal de la historia podría haber dado más de sí, pero tampoco es algo que se eche en falta.
Los personajes están bien definidos, principalmente los padres, las madres, el policía y el principal sospechoso, todos interpretados con corrección, dando la necesaria credibilidad a los personajes. Llamativa intrigante y convincente la interpretación del principal sospechoso, Paul Dano (de alguna manera, y salvando las distancias, me trae a la memoria aquella interpretación que hacía de otro perturbado en “Vidas ajenas” -2004-).
En momentos claves la historia se sugiere con elegancia más que se muestra, algo a lo que no nos tienen acostumbrados las imágenes explícitas del cine de consumo más masivo, y es de agradecer, a pesar de lo cual, en algunos momentos de la película creo que tiene además un aspecto negativo para su comprensión, pues puede crear algunas lagunas si no estamos atentos.
Y no quiero dejar de referirme a la fotografía, que creo que ayuda especialmente a formar esa atmósfera inquietante que imbuye toda la película.
Para mí lo mejor es la dirección. Se trata de una historia convencional contada y dirigida con originalidad y con conocidos actores que ayudan a darle solvencia a la historia, a la que tal vez le sobre media hora de duración, pero que merece la pena ser vista. Y es que a pesar de su convencionalismo aporta en algunos momentos un soplo de aire fresco.
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GRAVITY
Por Prometeo (06/10/12)
Gravedad. Título curioso para una película en la que todo sucede en ingravidez. Había escuchado hablar muy bien de esta película, lo que unido a mi gusto por la temática del espacio y de la aventura me hizo no dudar ni un momento en ir a verla.
Lo que me encontré fue algo a lo que ya puedo llamar una obra de arte, una mezcla exquisita entre historia, guión, ritmo, interpretación, dirección …, una mezcla que da algo distinto, que la supera. Pero ¿qué cautiva de esta película?
Vayamos por partes. La historia es en sí muy simple: un accidente (por una razón que se explica un montón de “basura” espacial les alcanza) durante un rutinario paseo espacial destroza el transbordador de la Nasa que está haciendo un trabajo de mantenimiento del telescopio espacial Hubble, y dos astronautas (Sandra Bullock y George Clooney), que tendrán que ingeniárselas en un medio tan hostil como el espacio para sobrevivir e intentar volver a la Tierra. Poco más se puede contar de la historia para no estropear los muchos momentos de tensión que tiene.
Pareciera que es una película de ciencia ficción, pero creo que no, que es una película de aventuras y mucha tensión contada en un escenario que es el espacio cercano. No es propiamente una película del espacio, sino una historia que sucede en el espacio. De hecho la historia es bastante realista y se sitúa en lo que hasta hace poco ha sido la realidad de los transbordadores espaciales de la Nasa. Tal vez la mayor ficción de la película sean los de desenfadados diálogos iniciales, más propios de un guión que de la realidad (parece que en EEUU si no hace eso revientan).
El guión no es nada complejo, precisamente la sencillez narrativa la convierte su director (Alfonso Cuarón) en una virtud. No hay ni muchos ni complejos personajes, y la línea narrativa apenas tiene recodos. Todo ello haría de cualquier película algo vacío y con poco interés, sin embargo el director aporta otros ingredientes tratados con mucha originalidad, como la fotografía, planos muy largos, tensión constante, la fuerza vital por sobrevivir. Antes de iniciar el periplo por la supervivencia el director nos enseña la muerte (de todos los tripulantes del transbordador sólo sobreviven dos). En contraposición a la sencillez del guión, tiene una complejidad visual que cautiva, con la referencia constante a la Tierra, siempre a la vista, tan cercana y tan inaccesible.
Los planos están muy medidos, mostrándonos tanto la visión particular del astronauta como la general de lo que sucede a su alrededor en una alternancia que enriquece la historia, para lo que se utilizan posiciones subjetivas de las cámara con mucho acierto. Hay momentos pausados, en los que parece detenerse el tiempo y Cuarón juega con la simbología (escena en la que Sandra Bullock se va quedando dormida y va adoptando poco a poco la posición fetal) y el trasfondo emocional (suceso traumático del pasado que acompaña a Sandra Bullock toda la historia), y escenas de trepidante acción que suelen acabar en una situación límite, perfectamente orquestadas, con uno efectos visuales (efectos especiales) simplemente perfectos. Tan sólo recuerdo una sola escena en toda la película en la que me pareció estar viendo realmente una maqueta, pero fue una escena de “transición” (iba a decir de relleno, de esas que enlazan una parte de la historia con otra, pero en realidad aquí no hay escenas de esas, todo está medido e insertado con un fin determinado en el sitio justo).
Es, sobre todo, una película de tensión y de emoción. Esta tensión se consigue de dos formas. La primera a través de las situaciones límite. En un medio hostil cada situación que pasan los astronautas se convierte en una posibilidad real de morir y una ínfima probabilidad de seguir adelante. El esfuerzo, el ingenio y la suerte (mucha es la suerte) va haciendo a lo largo de la historia que esa ínfima probabilidad les vaya manteniendo con vida. La segunda forma de conseguir la tensión es a través del tiempo, que juega en contra. Desde cada segundo que pasa Sandra Bullock alejándose a la deriva hacia el espacio, o desde el oxígeno de los trajes que se acaba, hasta los noventa minutos que tardará la “basura” espacial en volver a pasar por su órbita. De esas dos formas se recrea la tensión, muy bien conseguida y que nos pegará a la butaca. Por otra parte la emoción se consigue contando bien la historia, haciendo que la vivamos en primera persona y dotando a los personajes de una mínima profundidad para luego transmitírnosla. La emoción implica la previa conexión con la historia.
Otro aspecto a favor de esta película es la precisión científica con que está narrada. A pesar de ello habría un detalle poco probable de que sucediera, aunque no imposible, que no voy a citar por dos razones. Una porque en realidad la película juega todo el tiempo con lo improbable pero no imposible, donde se enmarcaría aquello a lo que me refiero, y segundo porque referirlo implica contar parte de la historia, y no voy a destrozar los principales ingredientes de la película, la tensión y la emoción.
Y hasta en el mismísimo final, un final épico, está lleno de esa tensión y esa emoción que nos harán entornar los labios para esbozar …¿una sonrisa o un gesto de tristeza?.
Es una emocionante historia de soledad, lucha y supervivencia, con fantásticas imágenes de la Tierra (muy recomendable verla en 3D si es posible), entretenida, trepidante, contada con sencillez y precisión, muy bien interpretada, pero sobre todo dirigida con maestría, originalidad y mucha intención. El mejor estreno de cine que he visto en mucho tiempo.
Yo la recomiendo guste o no la ciencia ficción, pues, como he dicho antes, no es propiamente una historia de ciencia ficción, sino una historia clásica de lucha y supervivencia, de acción y no exenta de cierto dramatismo. Bastantes ingredientes, ¿verdad?.
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"CRUCE DE CAMINOS"
Por Prometeo (22-09-2013)
Interesante cruce de historias donde se muestran las consecuencias de los hechos sucedidos, las decisiones tomadas y las circunstancias que el azar se encarga de poner en el camino.
La primera historia está protagonizada por un personaje desarraigado, un especialista en el manejo de motocicletas (Ryan Gosling), en busca del arraigo formando una familia con su hijo, cuyo papel de padre ya lo ocupa otra persona, y la madre de su hijo (Eva Mendes), a quien el amor que le promete es insuficiente para una vida digna y diferente, una vida que ella interpreta como un sueño. Termina robando bancos para tener algo que ofrecer a su hijo. Es una historia de adultos en un mundo confuso, bien planteada, profundizando lo necesario en los personajes, bien construidos y mostrados, para sostener las dos historias siguientes, relacionadas con esta.
La segunda historia está protagonizada por un policía novato (Bradley Cooper) que se enfrenta al ladrón de bancos de la historia anterior, y que es encumbrado gracias a esa acción. Nos muestra la manipulación del poder y, como en la anterior, las consecuencias de la toma de decisiones personales y las azarozas circunstancias de la vida. En este caso el protagonista no es un personaje desarraigado, aunque las decisiones que toma le llevan a un cierto desarraigo.
La tercera historia, que enlazada con las dos anteriores, trata de la problemática vida que llevan los hijos adolescentes (Dane Dehaan y Emory Cohen) de los protagonistas de las dos historias anteriores, el motorista y el policía. En ésta se nos muestra aún con más intensamente las dos fuerzas que parecen actuar en nuestras vidas, de una parte las circunstancias que nos vienen dadas y que marcan irremediablemente nuestro destino, y de otra nuestras propias decisiones, que pueden abrir nuevos caminos y posibilidades, para bien o para mal, o pueden ahondar en ese destino.
Pero creo que más que mostrarnos las fuerzas que actúan en la vida, el director (Derek Dianfrance) ha querido contar una historia, de triunfadores y perdedores, y de aquellos que aún están en la búsqueda de su futuro, a través de tres actos diferentes.
Resulta acertada la división de la película en tres historias distintas pero entrelazadas, pues cada una de ellas ahonda lo suficiente en los personajes claves.
Ryan Gosling, cada vez más solvente, en este caso con una interpretación contenida y llena de matices, que llena por sí sólo la pantalla y nos hace creer en casi lo imposible, que ese motorista de feria que aparece al inicio de la película de espaldas en un cuidado travelling, lleno de tatuajes y con pinta de “fumeta”, acabe siendo un padre deseoso de reunir y mantener a su familia, una familia que le es ajena.
Bradley Cooper, un actor con personalidad y atractivo suficientes para mostrar tanto a un policía novato capaz de abrirse paso entre los más deplorables entresijos internos policiales (segunda historia), como a un político ambicioso y seguro que ha de hacerse cargo de su hijo adolescente.
Eva Mendes, único de los actores principales que aparece en las tres historias (principalmente en la primera), que interpreta con gusto una madre que se debe al cariño y bienestar de su hijo, en cuya vida irrumpe el padre de su hijo (Ryan Gosling), a quien parece que no ha olvidado.
Si cualquiera de esos tres actores hace una buena interpretación, no es menos importante el papel de los secundarios, y entre ellos Ben Mendelsohn (primera historia, principalmente, y tercera historia), el “amigo” que ayuda a Ryan Gosling a iniciar su serie de atracos y con quien parece congeniar de alguna manera, que hace creíble a un difícil personaje, solitario, marginal y algo hecho polvo, y el del policía corrupto interpretado por un veterano Ray LIotta, con gran seguridad, todo un acierto en la historia (aparece en la segunda historia).
Me es difícil elegir entre las tres historias, si es que eso puede hacerse, pero de poderse tal vez que quedaría con la primera, ya que por ser la menos concreta o definida, deja más espacio a la intuición, al interior que esconden los primeros planos de Ryan Gosling, a la dulce mirada y el contenido rechazo de Eva Mendes, a la extraña atracción entre los personajes interpretados por Ryan Gosling y Ben Mendelsohn.
Y la dirección parece ser fundamental en esta película. Siempre he creído que tras una buena interpretación suele haber una buena dirección (no es condición suficiente pero sí necesaria), aunque también es cierto que no siempre ocurre así.
Una buena historia, contada con gusto, oficio y profesionalidad, con un buen reparto que hace la historia más creíble aún, y una dirección que amalgama todo ello para producir una buena película, que no cansa a pesar de su largo metraje (más de 2 horas). En definitiva, una de esas películas que hacen que merezca la pena ir al cine.
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ELYSIUM
Por Prometeo (17/08/2013)
No hay película de acción que se precie, o que lo intente, y no despliegue toda una batería de propaganda y publicidad para su estreno. A mí, incondicional de la ciencia ficción, me “duele” confesar que el talento de esta película casi se agotó en esa propaganda publicitaria que tan bien consigue sus propósitos. Pero vayamos por partes.
Recuerdo lo bien que me supo “Distrito 9” del mismo director, Neill Blomkamp, con suficientes dosis de originalidad y creatividad como para presagiar algo bueno de “Elysium”. De hecho hay escenas de ésta con cierto parecido a aquélla, sobre todo al inicio, cuando se muestra una ciudad de chabolas a modo de “gueto”. Pero cualquier parecido no deja de ser superficial.
La historia que nos cuenta “Elysium” es simplista y facilona, y rápidamente nos pone de parte de una mayoría que malvive en La Tierra frente a la minoría que vive plácidamente y a todo lujo en “Elysium”, una estación que orbita cerca de nuestro planeta, que puede verse a plena luz del día en el cielo como símbolo del lujo y la clase alta, muy alta, que pisotea y ahoga a la clase pobre, sin transición entre ambas. Vemos claramente la intención y el mensaje de la historia, pero eso es lo malo, que lo vemos demasiado claramente, sin matices ni sutilezas: los ricos son malos, muy malos, y poseen todo aquello que se merecen los pobres, muy pobres. Demasiado elemental, simple e infantil para adquirir significado por sí mismo. La mayoría de los que estábamos en la sala viendo la película éramos adultos, no niños a los que aleccionar.
Es principalmente una película de acción, con un ritmo bien dosificado, sobre todo en su segunda parte.
La producción es lo único que me pareció a la altura. Pero hoy día la producción va perdiendo mérito (el mérito que por ejemplo tenía “Distrito 9”) cuando hay un buen respaldo económico, pues acaba reduciéndose, casi, a la cuestión de poseer los medios técnicos y los profesionales cualificados para sacar el proyecto adelante. Pero tampoco queremos quitarle todo el mérito. Resulta original y bien construida la estación orbital “Elysium”, aunque a costa de concederle algunas cosas desde el punto de vista físico.
Y ese es otro problema de la historia, la de los pequeños errores o incoherencias, que no ayudan a cohesionar la historia. Generalmente este tipo de historias suelen tenerlos, y su casi ausencia demuestra la madurez del guión, que no es precisamente este caso.
Matt Damon, a la cabeza del reparto, está bien, sin excesos, en un término medio muy aceptable. En cuanto a Jodie Foster, actriz que siempre me ha gustado particularmente, creo que no está a su propia altura, en un papel que, desde luego, no se presta a mucho lucimiento. Aunque no sé si habrá sido ese el problema.
La música tampoco merece ninguna especial mención. Ahí está.
En definitiva, entretenida si no se espera más de ella. Se puede echar un rato agradable si se va a ver esta película sin más pretensiones.
GUERRA MUNDIA Z
Por Prometeo (11 de agosto de 2013)
Las películas de zombies pertenecen a un subgénero, dentro del género del terror, clasificado tradicionalmente como serie B, si bien su rentabilidad en las taquillas ha ido sofisticando poco a poco los medios empleados en su producción. “Guerra Mundial Z” podríamos decir que es el colofón de esta tendencia, donde la producción, los medios y el plantel de actores le alejan definitivamente de la serie B. Es una superproducción con todos sus ingredientes.
Mucho ha llovido desde la exitosa y pionera “La noche de los muertos vivientes” que tanto nos ha hecho disfrutar a los amantes de este subgénero. Y me refiero a pionera en cuanto a la concepción de los zombies y las bases que sienta esa película de la segunda mitad de la década de los sesenta. Por supuesto que pueden encontrarse precursores hasta en la década de los treinta, pero en su concepción moderna tiene un gran peso esa película.
“Guerra Mundial Z” sigue los cánones a los que nos referimos pero aporta algo nuevo. Los zombies siguen siendo muertos que vuelven a la vida, sin raciocinio, que producen una infestación a nivel global en la Tierra, cuyo poderío residen en su número y su necesidad de la carne de los vivos. Pero ahora, lejos de ser unos seres lentos y torpes (lo que en determinados momentos podía dar a los protagonistas cierto respiro), corren como verdaderos misiles sin contemplación alguna.
Tal vez ahí esté uno de esas pequeñas incoherencias argumentales. A veces los zombies son implacables y es imposible escapar de ellos, pero cuando le interesa a la historia ya parece que no corren tanto. No sé en realidad si son incoherencias argumentales o licencias del guión a favor de la tensión de una escena, pero cuando venden “realismo” uno pide “realismo”.
Con Marc Forster como director y Brad Pitt como principal protagonista (con diferencia), esta película asegura el entretenimiento y la acción, salvo, como siempre suele suceder, para aquellas personas a las que no les gusten las películas de zombies.
Pero es sobre todo una película de acción, con un buen ritmo (no se haga larga esta película de casi dos horas) y unos efectos especiales a la altura de lo que ya hoy los técnicos nos tienen acostumbrados, con breves (se agradece) momentos sentimentales tan típico del topismo estadounidense, con un buen trabajo de los actores, incluido Brad Pitt, que acapara todo el peso de la historia. Lo cierto, y a mi parecer, es que se trata de una película de zombies más, que aporta alguna que otra pincelada diferente al género, bien dirigida, bien producida y bien trabajada, lo que hace que la valore por encima de la media.
Yo pasé un rato agradable y distraído (que es para lo que voy al cine) y recomiendo esta película. Pero he de ser sincero, es que a mí, el subgénero de los zombies me encanta.
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EXPEDIENTE WARREN. THE CONJURING.
Por Prometeo (27/07/2013)
“Expediente Warren. The Conjuring” trata un tema ya clásico dentro del cine de terror o miedo, el de las casas encantadas, los espíritus, las posesiones y los exorcismos. Todo un género que, dado lo mucho que se ha hecho y hemos visto, no es fácil de tratar con originalidad o con la solvencia suficiente como para “encantarnos” en la sala de cine.
Y tal vez esa sea la mayor virtud de esta película, la de conseguir atraparnos y saber contar una historia que pudiera sonar a rancia, a pesar de estar basada en hechos reales, cosa que no deja de ser, al fin y al cabo, un reclamo publicitario de contrastada eficacia.
No se puede negar el oficio, los recursos y el buen hacer de su director, James Wan, quien va adentrándonos con maestría y a través de la tensión de la historia en la atmósfera propia de este género, haciéndolo todo creíble, y sin recursos simples y efectistas más propios de un engaño que de un buen guión.
Los actores están solventes, especialmente el matrimonio Warren, encargados de afrontar en este caso los sucesos paranormales que acontecen en casa de la familia protagonista, cuyos integrantes también están a la altura.
No se trata de una superproducción, más bien al contrario, pero se utilizan los personajes y la ambientación con el suficiente genio como para que no lo parezca.
Si algún “pero” tuviera que ponerle a la película sería el de excesivamente clásica y previsible en general, con algún que otro pequeño resquicio en el guión que puede pasar casi desapercibido. Aunque, por otro lado, ese clasicismo parece buscado intencionadamente.
En general una película muy solvente y bien dirigida y realizada, que consigue trazar el terror y el miedo con buenas maneras. Una historia clásica con recursos clásicos utilizados con inteligencia y gusto.
A mi siempre me han atraído las películas de terror, espíritus, posesiones, casas encantadas … Si, como a mi, te gusta ese género creo que esta película no te defraudará.
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"STOKER"
Por Prometeo (15-06-2013)
Fui a ver esta película sin más referencia que las muchas estrellitas con las que la calificaba algún periódico. Y salí encantado.
Hacía tiempo que tenía ganas de ver algo diferente. Y esta película cubrió todas mis expectativas.
Trata de cómo una joven que cumple 18 años, el mismo día que su padre muere, descubre ciertas pasiones y sentimientos ocultos, en cuyo proceso interviene de forma significativa su tío, de cuya existencia no tenía conocimiento. La historia es interesante, pues lo que descubre es algo poco habitual, pero lo que hace a la película verdaderamente interesante es la forma de contar la historia y especialmente la manera en que está dirigida y montada.
Los tres personajes principales, la hija (Mia Wasikowska), la madre (Nicole Kidman) y el tío de la hija (Matthew Goode) están interpretados con talento y dirigidos con verdadera maestría. Son personajes con rarezas, pero desde un principio se deja entrever que debajo de esas rarezas se esconde algo. Esa forma de insinuar capta la atención desde el principio y sólo conforme avanza la película se va mostrando todo lo que subyace bajo la apariencia. Son personajes muy definidos y con rasgos de personalidad muy definidos e intrigantes. La sonrisa maliciosa que exhibe con tanta facilidad el tío, la mirada fría con el gesto contenido de la hija, o la frialdad y la falta de empatía de la madre hacia su hija son muestra de ello.
Cada cosa que acontece, lejos de ir desvelando la verdadera naturaleza de las rarezas personales, nos induce sutilmente a una intriga que va en aumento. No es fácil conseguir eso, pero el magistral trabajo del director hace que parezca fácil lo que no lo es. Y verdaderamente uno de los protagonistas de esta película es su director, Park Chan Wook, quien, lejos de tópicos, escenas fáciles o diálogos gratuitos, construye una obra de arte, más allá de la superposición lineal de imágenes y escenas a la que nos vamos acostumbrando.
En esta película encontré talento y ganas de hacer algo diferente. Y eso no sólo lo consigue el director con su dominio de la cámara, sino también con el excelente trabajo que consigue de los actores y con un montaje especialmente cuidado y original, donde algunas escenas se engarzan con otras con especial originalidad, y en la que también la música merece una mención especial.
Los créditos del inicio ya parecen adelantarnos que algo diferente nos espera, lo que queda claro con la primera escena, en la que se oyen unas palabras de la hija en "off", que cobraran pleno sentido con la escena final.
La película no es ni fácil ni difícil de ver. Su ritmo pausado (que no lento) requiere cierta atención que, por otra parte, se presta con sumo gusto conforme se va descubriendo el esfuerzo del director por hacer algo distinto.
Merece la pena ir a disfrutar del talento que encierra esta película, que recomiendo con énfasis, menos a los pequeños, a quienes claramente no va dirigida la temática de esta película, y a quien busque puro entretenimiento fácil y sin complicaciones, que hay que reconocer que a veces es también lo que apetece.
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"LA ESTRELLA"
Por Prometeo (08/06/2013).
En más de una ocasión he hablado de mi interés por el cine español. Pero por un cine original, creativo, imaginativo ...
También hay un cine español tópico, repetitivo, insulso. Hay una temática social reiterada hasta la saciedad que poco aporta, salvo excepciones de interés. Pero no es el caso de esta película.
El drama social del maltrato y de las relaciones personales que se deterioran, unido a un trabajo precario es la ambientación de esta película, en la que no he encontrado nada especial que destacar. Antes de seguir quiero dejar claro que considero que hay grandes películas españolas sobre esa temática, pero también me parece clara cierta tendencia hacia una temática social que acaba produciendo películas que poco o nada nuevo aportan. Y este último caso es el de esta película.
Los actores, en su gran mayoría ya conocidos del gran público, no acaban de dar todo lo que pueden. Una Carmen Machi totalmente encasillada tampoco es que pueda hacer mucho más. Tal vez la interpretación de Fele Martínez sea de las pocas cosas que se salven de esta película, pero también es cierto que no tenía el listón muy alto.
La dirección no tiene tampoco nada que destacar, y hace de ésta una película más. No vamos a negar que tenga sus momentos, pero toda una película no puede justificarse por algunos momentos, y más aún si esos momentos tampoco son nada sobresalientes. Incluso el estilo de la música es un tópico más.
Y el guión tal vez sea lo peor. Manido, insulso, falto de solidez y originalidad y con alguna que otra incoherencia, o al menos falta de justificación, no deja de ser la repetición de otros tantos que han desfilado antes por las pantallas españolas.
Es una película que puede gustar a un cierto público incondicional o especialmente sensible a la temática social que presenta, e incluso puede tener un cierto interés, pero no como arte. Será un testimonio, una denuncia, lo que sea, pero no una obra de arte.
Puede ir a verla, pero yo le advierto lo que se encontrará. Si le gusta esa temática por encima de otras cosas vaya a verla, seguramente no le defraudará, pero si busca cine con mayúsculas, piénselo bien antes de ir. A mi, particularmente, no me mereció la pena, pero tuve que ir a verla para descubrirlo, y salvo que lo tenga claro, tal vez usted tenga que hacer lo mismo.
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"JACK EL CAZAGIGANTES"
Por Prometeo (01-06-2013)
"Jack el cazagigantes", aunque pretenda ir dirigida a todos los públicos, es una película infantil. No suelo ir a ese tipo de cine pero la ocasión se presentó.
Por una lado se ratificó lo que me temía, una historia llena de tópicos al más puro estilo wollywoodiense. Creo que mas tópicos no puede tener una historia: los buenos, los malos, el rey, el fiel servidor del rey, el malo que maquina a espaldas del rey, la princesa que se enamora del plebeyo pobre, el plebeyo pobre que rescata a la princesa, los malos que reciben su castigo, gigantes sin escrúpulos que comen hombres ... La historia no puede ser más simple y poco elaborada. Basada en el cuento de las habichuelas mágicas, el guión modifica el cuento original para crear, o intentar crear, una historia de aventuras con más gancho.
En cuanto a los actores ... por el estilo. Todo un Ewan McGregor interpretando como si de una comedia se tratara pero sin resultar en ningún momento convincente. Y así prácticamente todos.
El director, Bryan Singer, consigue algunas escenas de aventuras trepidantes y bien orquestadas, pero poco más. Desde luego poco para lo que tal vez podía haber hecho.
Lo único que salva la película es el buen ritmo de la acción y la aventura, y la nada desdeñable producción técnica, que da vida a unos gigantes que son el verdadero espectáculo de esta película. Realizados con gran perfección, son el motor de la acción sin cuartel de la última parte de la película, con el espectacular asedio al castillo (como veréis nada que ver con el cuento original). Están creados con gran personalidad y son tratados con caracteres específicos que les identifican en la historia, todo un acierto, y más teniendo en cuenta que entre ellos también hay sus más y sus menos.
A mi me supo a poco, a muy poco, pero reconozco que disfruté con la acción de los gigantes y la calidad técnica de su realización. Si no hubiese sido por las circunstancias nunca habría ido a ver esa película. ¿Me arrepiento de haberlo hecho?, bueno, digamos que de otras películas me he arrepentido más, y de ésta al menos me gustaron los gigantes. Como dije al principio es una película para niños, y seguro que a ellos les gusta más, aunque tampoco por ser niños hay que tratarlos como tontos con tantos tópicos innecesarios, aunque ya sabemos que la industria sólo busca lo que busca.
En cuanto a los actores ... por el estilo. Todo un Ewan McGregor interpretando como si de una comedia se tratara pero sin resultar en ningún momento convincente. Y así prácticamente todos.
El director, Bryan Singer, consigue algunas escenas de aventuras trepidantes y bien orquestadas, pero poco más. Desde luego poco para lo que tal vez podía haber hecho.
A mi me supo a poco, a muy poco, pero reconozco que disfruté con la acción de los gigantes y la calidad técnica de su realización. Si no hubiese sido por las circunstancias nunca habría ido a ver esa película. ¿Me arrepiento de haberlo hecho?, bueno, digamos que de otras películas me he arrepentido más, y de ésta al menos me gustaron los gigantes. Como dije al principio es una película para niños, y seguro que a ellos les gusta más, aunque tampoco por ser niños hay que tratarlos como tontos con tantos tópicos innecesarios, aunque ya sabemos que la industria sólo busca lo que busca.
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"AMOR"
Por Prometeo (18/05/2013)
Esta película trata de dos personas muy mayores que al final de sus plácidas vidas ven como la decrepitud y la enfermedad les golpea con crudeza, y de cómo afrontan tal situación, en especial el marido, interpretado por Jean-Louis Trintignant, que se hace cargo de su esposa, interpretada por Emmanuelle Riva, hasta cuando ésta deja de valerse por sí misma.
La pérdida de capacidad mental y física llevan a la esposa hasta una situación de invalidez total. En realidad el director, Michael Haneke, no hace más que mostrarnos la realidad que sufren tantas personas abnegadas y anónimas que pasan por esa situación. Nos sobrecoge porque está contada con maestría y con realismo, pero no deja de ser una película, una exaltación de la imagen en favor de una idea. La realidad siempre supera cualquier ficción, por realista que ésta sea.
"Amor" es un drama en el que su director se ha esmerado en dar todo el realismo posible, pero sin olvidar que el cine es una forma de arte: textura de las imágenes, sobria, eficaz e inteligente dirección, ausencia de banda sonora (salvo los momentos en que se escucha música clásica en tiempo real), escenas medidas y cuidadas al servicio del producto final ...
El trabajo de los actores que interpreta a la pareja de ancianos protagonista es impecable y comedido. Pero tal vez lo mejor sea la dirección, sobria y eficaz.
La escena del auditorio visto desde un escenario, donde se comienza a narrar la acción (justo después del inicio, que nos muestra el final de la película), apunta las maneras de hacer de su director.
Acostumbrado a esos dramas tan tópicos de Hollywood, y también de otros lugares, esta película es como un fuerte golpe en la mesa para dejar cada cosa en su sitio. Aquí no hay lugar para convencionalismos y tópicos recurrentes. Cada escena está medida con rigor, con el tiempo que sea necesario para completarla, para llenarla de sentido, sin prisas. Los diálogos son igualmente realistas, no hay nada gratuito, así como la reacción de otros personajes ante la situación que se presenta.
En la película, de poco más de dos horas, contrasta el realismo de casi todo su metraje con el final, más poético o simbólico, que no se muestra de forma directa. Tal vez sea la única licencia que se toma la historia, pues el director la incardina con perfección en el realismo que ha seguido desde el principio.
La ausencia de música es fundamental para una película así, ni siquiera la hay en los créditos iniciales y finales. Sólo se escuchan los fragmentos de música clásica que se oyen en la realidad de la película. Las escenas más dramáticas no tienen música, lo que enfatiza el realismo.
Tan importantes son los diálogos como los silencios, las miradas y las propias imágenes. Primeros planos hablando, comiendo, sintiendo ... Todo realizado con talento, maestría y originalidad, lo que redunda en un producto sobrio y artístico.
Precisamente la sobriedad y la duración puedan ser dos aspectos que no gusten a todo el público, así como el hecho de que saldrá de la sala con el corazón "encogido". Si busca diversión o pasar un rato agradable le recomiendo otra película. Si quiere ver una obra original y bien hecha ésta es la ocasión.
A mí, particularmente, hubo algún momento en que se me hizo algo pesada. Por otro lado me atrevería a decir que hasta el realismo tiene un límite, pues la realidad ya la vemos a diario a nuestro alrededor, y la obra artística ha de ser sugerente en algún sentido, y no es que esta película no lo sea (lo es en el trabajo del director, en la forma de realizar la película, si no se parecería más a un documental que a una película de cine), pero no se adapta exactamente a mi gusto más personal en cuanto a esa concepción del arte.
En cualquier caso, y salvo las excepciones antes dichas, yo recomiendo esta película, merece la pena verla, pues está muy por encima, a mi parecer, de la media de la oferta actual.
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OBLIVION
Por Prometeo (21/04/2013)
Antes de nada aclarar que esto que hago no es una crítica de la película, pues no soy crítico, sino tan sólo mi parecer subjetivo sobre lo que he visto. Ni siquiera me considero un buen aficionado. Sólo sé que me gusta ir al cine, escribir después sobre lo que he visto, y compartirlo humildemente y sin más pretensiones en Obtentalia gracias al ofrecimiento de los hermanos Cástor y Pólux.
Una nueva película de ciencia ficción, un género que me gusta especialmente pero del que también espero mucho. En este caso de la mano del actor Tom Cruise, protagonista y a cuya medida parece estar estudiado su personaje, algo encasillado en papeles como el que interpreta en esta ocasión. Pero eso, a priori, no tiene que ser ni bueno ni malo. Grandes actores a lo largo de la historia han estado encasillados, al menos durante una época de su carrera, sin que ello supusiese un menoscabo.
Oblivion recrea una atmósfera algo gris, de destrucción, con una historia simple que se va complicando, dando alguno giros que pueden propiciar el despiste si no se anda atento. No es que se trate de una historia complicada, pero da un giro argumental que nos muestra que nada es lo que parece. Se agradece, pues, que no sea la típica historia lineal sin más, y que el guión, sin ser una maravilla, nos cuente algo con cierta originalidad.
En un mundo baldío y estéril, Cruise, a quien se le ha practicado un borrado de memoria, y cuya ocupación es la de vigilar y mantener unas máquinas especiales que succionan el agua del mar antes del abandono total del planeta Tierra, encuentra cierto placer recopilando objetos antiguos a modo de recuerdos que su intuición le parece proporcionar. Es un atisbo de esperanza, como así también lo es, en consonancia, un lugar idílico, fértil y bello, que descubre y al que acude de vez en cuando. Son pequeñas pistas que el guión va proporcionando para dar coherencia al cambio que experimentará la historia. Él parece tener ciertos sentimientos que no aparecen en su compañera de trabajo, con la que convive.
El trabajo de los actores es suficiente para hacernos entrar en la historia, algo fundamental en una película de ciencia ficción. Diría que da la talla lo justo, y por momentos algo más, tanto a nivel de dirección como de interpretación. Tal vez la parte más floja sea cuando se desarrolla la parte en que se muestra a Morgan Freeman y su “pandilla” (por no explicar demasiado).
La producción es uno de los fuertes de la película. Efectos especiales, paisajes novedosos e imposibles, movimientos de cámara inimaginables …, mucha imaginación en definitiva. Y eso también se lo pedimos a las películas de ciencia ficción que acontecen en el futuro, que nos impresionen visualmente, y ésta lo hace.
A quienes no les guste este género de ciencia ficción seguramente no encontrarán nada nuevo en esta película (salvo espectaculares imágines de gran plasticidad), y hasta es posible que vean en su protagonista una razón para no verla (por la cuestión del encasillamiento del que hablaba al principio).
Y a quienes les guste ese género, como a mí, encontrará alicientes suficientes para ir a ver la película al cine, disfrutará con sus imágenes y su derroche de originalidad plástica y dará por bueno un guión que le hará pasar un rato de distracción.
En definitiva una película de ciencia ficción original para pasar un buen rato, sin llegar a la altura de las mejores películas del género, pero apuntando buenas maneras por momentos.
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TESIS SOBRE UN HOMICIDIO
Por Prometeo (20/04/2013)
Ver actuar al bonaerense Ricardo Darín es tener la garantía de ver un trabajo bien hecho, mejor o peor, pero siempre profesional. Dan fe de ello la cantidad de premios, galardones y nominaciones que ha ido acumulando a lo largo de su carrera. Títulos como “Kamchatka”, “Nueve reinas”, “El hijo de la novia” o la oscarizada “El secreto de sus ojos”, por citar sólo algunas (por cierto, esas películas han sido emitidas ya por televisión), nos hablan de la calidad de dicho actor. Un rostro con carácter y personalidad, al que sabe sacar partido, es una de las causas de su triunfo. En fin, no voy a negar que es un actor que me cautiva.
De cada nueva película de Darín se puede esperar mucho, al menos en lo que a él respecta, y más después de lo alto que puso es listón con “El secreto de sus ojos”, pero eso es más bien un lastre. Ir a ver una película queriendo encontrar algo determinado, pretendiendo que los actores tengan que dar clases magistrales es un error. Cada película es un universo particular, y como tal hay que entenderla.
Un poco de eso es lo que ha podido ocurrir (o me ha podido ocurrir) con “Tesis sobre un homicidio”. Esperaba tanto que me supo a poco. Pero conforme voy rememorando escenas y planteamientos argumentales voy comprendiendo el universo de esta película con independencia de mis expectativas.
Darín encarna a un solitario profesor de derecho. Da un seminario entre cuyo alumnado está alguien que desde el principio resulta algo intrigante, y de quien acaba sospechando el profesor como autor de un crimen cometido frente a la Universidad donde se imparte el seminario. La historia se basa en las sutiles pruebas, o más bien indicios, que el profesor encuentra y refuerzan su sospecha.
La película está realizada con elegancia y hasta sutileza, pero para mi gusto le falta algo de fuerza, de empuje, de provocación, a lo que nada ayuda un final verdaderamente inesperado, no por lo que sucede, sino porque este tipo de historias de intrigas y asesinatos suelen tener un final distinto. Con la persona con la que fui a ver la película (por cierto, era Helena de Troya, y lo digo para darle un poco de envidia a los hermanos Cástor y Pólux, que babean por ella), me comentó algo sobre el final que me hizo entenderlo de otra forma. Me dijo, con su voz dulce y encandiladora (perdón por la baba,) algo así como “fíjate en el título de la película, de eso es de lo que trata y no de otra cosa”. No digo más por si van a verla.
Yo veo bien a los demás actores, especialmente a Alberto Ammann, el alumno de quien sospecha Darín, aunque lo cierto es que el peso de la película lo llevan ellos dos, especialmente Darín. Los demás personajes son todos secundarios. De hecho parece que el personaje del profesor está hecho pensando en Darín, y tal vez eso crea una especial servidumbre de la historia hacia su personaje.
No es el mejor Darín que he visto, pero merece la pena verle trabajar. La historia no es pretenciosa, simplemente presenta una situación ante la que reacciona el personaje del profesor. Tal vez la virtud de la historia esté en su carácter simple y directo, justo lo contrario de los personajes principales.
Los diálogos, sin ser brillantes, están a la altura de un trabajo cuidado y depurado, pretencioso a veces y elegante siempre, con algunas disquisiciones filosóficas sobre la justicia que, lejos de parecer cursi, funciona perfectamente a favor de la historia. El cine argentino (la película es hispano-argentina) suelo cuidar mucho ese aspecto, y eso es algo que siempre se agradece.
En definitiva una película interesante, a la que les recomiendo que vayan sin una idea preconcebida. Disfrutarán del trabajo solvente de los dos actores principales y de una historia original, lo cual hoy no es poco.
Por Cástor y Pólux.
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“ANA KARENINA”
Por Prometeo (29-03-2013)
Nueva versión de la obra de Leon Tolstoi, ambientada en la Rusia de finales del siglo XIX. Una historia de amores e infidelidades, un drama que retrata la alta sociedad de esa época.
En cuanto a los actores principales, creo que Keira Knightley (Anna Karenina) va identificándose con su papel, lleno de pasión y sentimiento, a lo largo de la película, de forma que hace una buena actuación de un personaje nada fácil. Aaron Johnson (el amante de Anna) no parece encontrarse tan cómodo en su personaje, pues a pesar de lo diferente que es al de ella no alcanza toda la profundidad que tiene. En cuanto a Jude Law (el marido de Anna), su capacidad de adaptación a distintos personajes y su sobriedad cuando es necesario quedan patentes en esta película. Para mi gusto es el mejor: creíble, contenido cuando el guión lo requiere y expresivo cuando el personaje lo pide.
Dirigida con decisión y valentía, para mí destaca principalmente por dos aspectos. El primero es el vestuario, exquisito y brillante. No en vano recibió, entre otros premios, el Oscar de 2012 al mejor vestuario. No hay que entender mucho para apreciar la belleza, originalidad y perfecto acabado de los vestidos. De hecho creo que el vestuario juega un papel importante como fórmula para destacar determinados personajes en distintos momentos de la película.
El segundo aspecto por el que destaca es la forma de contar la historia. Ésta es narrada por los actores de un teatro, de forma que todo sucede en él. La entrada a una habitación forma parte de un telón que baja en el preciso momento, la salida de una fiesta se hace a través de bambalinas, donde se representa otra escena de la película, los asistentes a un espectáculo son las personas que llenan el patio de butacas, etc. Es una forma original de presentar la película, y puede entenderse como una metáfora de la propia sociedad de la que habla: convencional, formalista, aparente, sujeta a rígidas normas, ... siempre guardando las formas, como si se representara un papel en una obra de teatro.
En cuanto a este segundo aspecto, a pesar de originalidad, le veo dos defectos. El primero que la forma de presentar la historia (actores en un teatro), unido a la presentación caricaturesca que se hace de muchos personajes, resta seriedad a la historia, de manera que no parece que vayamos a ver un drama romántico.
El segundo defecto que creo advertir es que esa forma de presentar las escenas va decayendo a lo largo de la película, de forma que en su segunda mitad se vuelve más “tradicional” y hace claramente menos uso de ese recurso, lo que rompe el ritmo narrativo con que se inicia la película, pero también la hace más comprensible y dramática.
Todo ello hace irregular la película, con una primera parte teatral y desenfadada y una segunda parte más lineal y dramática.
Cabe destacar la utilización de dos recursos para realzar personajes y situaciones: uno en el que todos los personajes permanecen inmóviles salvo los principales, y otro en el que el vestido del personaje principal destaca en color, luminosidad e iluminación con respecto al resto.
Usa por tanto recursos originales pero no especialmente profundos, tal vez demasiado evidentes (puede que eso es lo que pretenda el director).
En general me ha gustado: bien dirigida, original en la puesta en escena, actores bien dirigidos y con buen trabajo, vestuario excepcional, bien ambientada, música destacable …, con las salvedades antes expresadas. Merece la pena verla.
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"LOS ÚLTIMOS DÍAS"
Por Prometeo (28-03-2012)
El cine español de ciencia ficción, fantástico o apocalíptico goza claramente de buena salud. Ayer se estrenó "Los últimos días" (estreno adelantado a causa de la Semana Santa), dirigida por los hermanos David y Alex Pastor. Su dirección es eficaz y efectiva, clásica e innovadora a la vez, con maneras que apuntan muy alto, pero creo que aún han de llegar, que aún tienen pendiente su mejor película, porque estoy convencido de que pueden dar más. En cualquier caso están a la altura de lo que se espera. Hay que pensar también en qué han querido hacer, es posible que no hayan querido hacer otra cosa que lo que nos han presentado. Si así fuera espero que la próxima vez quieran hacer una obra de arte, porque sin duda la harán.
Al frente de los actores un correcto Quim Gutiérrez y un solvente José Coronado, y en segundo plano Marta Etura, bien en un papel que no da para mucho. Los actores dan la talla pero tampoco consuman ninguna obra de arte. De José Coronado puedo decir que me gusta, siempre me gustó, y que ha mejorado con el tiempo, pero en esta película no supera sus anteriores registros (los más conocidos "No habrá paz para los malvados" o "El cuerpo"). Lo cierto es que acabamos esperando mucho de él y es difícil superarse continuamente.
La historia, original, emite ecos de los clásicos de este género, de lo que en verdad no parecen querer sustraerse sus directores. No sé si lo hacen a modo de tributo o por utilizar fórmulas seguras (en cuanto a las posibilidades comerciales de la película), pero echo en falta un mayor calado, una mayor profundidad emocional y vivencial en la historia. Parece como si el guión no quisiera profundizar más, como si se contentara con unos diálogos y situaciones dramáticas y sentimentales elementales pero efectivas. Tal vez ir más allá comprometa la integridad comercial de la película (característica de la mayoría del cine de Holliwood), pero es lo que le hubiera dado ese extra para hablar de una gran película, de un producto especial.
Es este tipo de cintas, junto con otras, siempre imaginativas y con historias originales, el que puede tirar del carro para sacar de su crisis particular al cine español, en el que tradicionalmente se han entremezclado los conceptos de arte, cultura, comercio y subvención, saliendo de esa amalgama la necesidad creada de que el cine ha de ser subvencionado como forma de preservar nuestra cultura. Pero estas ideas finalmente sólo benefician los bolsillos de determinados productores y actores que abogan por un tipo muy determinado de cine, entremezclado con ideas políticas que poco tienen que ver con esto. En el fondo no piensan en nosotros, quienes vamos al cine a entretenernos, no a subvencionar las ideas de unos u otros.
Por eso cuando vemos películas como esta, que intentan ir más allá, con calidad, imaginación, una historia original y un guión decente, que intentan ser exportables y económicamente rentables, y que se dirigen con calidad y con cabeza, no con ideas, empiezo a pensar que el cine español goza de mejor salud de lo que pareciera.
Amenábar, Almodóvar, en este caso los hermanos Pastor, Balagueró, Plaza, Bayona y muchos otros, nos han demostrado que en españa, o que al menos los españoles (no olvidemos que algunos de ellos han comenzado sus carreras fuera e incluso producen más fuera que dentro de España) se dirige, produce y se crean historias y guiones al más alto nivel.
No quiero decir que el drama social (tan machacado por otra parte) no sea importante y no aporte nada, o sea presa de convicciones políticas, legítimas por otra parte, y como ejemplo puedo citar a Zambrano, a la altura de los mejores, quiero decir que ese tipo de cine se ha empeñado durante años en ser abanderado de una cultura y una forma de hacer que ha querido verse a sí misma independiente, y no ha sabido llevar a la industria por caminos comerciales a los que finalmente se someten todas las formas de arte si quieren subsistir. En España han querido subsistir sin esa premisa y nos han querido convencer a todos que así tenían que ser las cosas.
El cine actual, como la película de la que hablo hoy, demuestra que no era así. Y ese creo que es su verdadero valor añadido.
En definitiva una película entretenida, una historia agradable de ver, con efectos especiales, una muy buena dirección y una buen trabajo de actores, aunque no una obra de arte, pero con todos los ingredientes para hacernos pasar un rato agradable en el cine, salvo para aquellos a los que nada les guste este género. Espero ya con ganas la próxima película de los hermanos Pastor.
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"LOS AMANTES PASAJEROS"
Por Prometeo (16/03/2013)
Muchas han sido las críticas que ha recibido la última película de Pedro Almodóvar, "Los amantes pasajeros", en su mayoría negativas. Se le ha dicho prácticamente de todo. La mayoría de las que he leído no sólo se referían a la película, sino a su autor, porque parece chocante que todo un Pedro Almodóvar, con el bagaje y buen hacer que lleva a sus espaldas, sea capaz de hacer una obra muy por debajo de lo que nos tiene acostumbrados, a decir de esas críticas. Además le llueven las comparaciones con sus primeras comedias.
Todas esas críticas pueden ser ciertas, o al menos opinables, pero pocas ven la película como yo particularmente creo que habría que verla, o como quiero verla, como una comedia más, independiente de todo lo anterior. Si no fuera de Almodóvar tal vez las críticas se centrarían más en los propios valores (o ausencia de ellos) de la película.
Viéndola como tal tengo que decir que a mí me ha hecho reír. No creo que sea de mal gusto. Tampoco sé qué ha pretendido hacer Almodóvar, si algo desenfadado y simple, puro entretenimiento, u otra cosa, pero viéndola así tiene más sentido. Más me ha parecido una parodia a lo Almodóvar de un cine del tipo de la saga "Aeropuerto" que otra cosa. Una situación de peligro que desvela las historias personales de los personajes, que se resuelven finalmente.
Si buscamos comparaciones con el cine que ha hecho hasta ahora sólo encontraremos defectos, y no creo que sea una película "defectuosa" o mal hecha. Es más bien una paso en una dirección distinta. No es una película pretenciosa, es sólo una comedia para entretener, fácil y directa. Evidentemente sus personajes homosexuales y bisexuales son su "toque" personal, y eso no ha cambiado.
No es su mejor película, no cabe duda, pero entretiene como lo que es, e incluso tiene momentos y golpes realmente buenos. Los actores siguen estando bien dirigidos, pero en una dirección distinta. Los tres azafatos, a veces esperpénticos, están impregnados de humor. Son tres alocados maricas imposibles en un vuelo imposible.
Creo que Almodóvar es bueno hasta para hacer lo menos bueno. Otra cosa es que comparemos esta obra con otras. Pero ese es otro cantar. Yo me limito a decir lo que me ha parecido una película, sin más. En ese sentido recomendaría ir a verla, creo que pasarán un rato de distracción y se reirán. Si eso es lo que buscan al ir al cine vayan sin miedo a las críticas. Si buscan otra cosa lean entonces más críticas antes de ir. Pero ojo, lean críticas de la película, no de Almodóvar, porque son dos cosas distintas.
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"MAMÁ"
Por Prometeo (16-02-2013)
Película enmarcada en el más puro y tradicional estilo de terror, que trata sobre la intrigante presencia que acompaña a dos pequeñas hermanas que son encontradas en un bosque en el que han sobrevivido cinco años solas, asilvestradas y desnutridas, y que son adoptadas por su tío y la pareja de éste.
Con una dirección esmerada y atractiva, tiene un planteamiento e inicio interesantes. Pero pesar de un comienzo tan atractivo, la cinta, poco a poco, va a menos por culpa de los detalles inconsistentes de un historia a priori tan atrayente.
Tiene unos primeros momentos muy conseguidos, en los que la insinuación es tratada con maestría y consigue esa tensión necesaria para introducirnos en la historia y "meternos" en la película. Como botón de muestra destacaría la escena en la que se ve a la madrastra en el pasillo y en el cuarto de las niñas se oyen risas de juegos, y se ve parcialmente a la hermana pequeña jugueteando con "alguien" que no se muestra Y también destacaría en este apartado las escenas relacionadas con el armario del cuarto de las niñas, resueltas con elegancia.
Posteriormente la presencia se hace más evidente en la historia y se muestra sin reparos, como por ejemplo en la impactante escena en la está debajo de la cama de la madrastra.
A partir de entonces la película se precipita en una serie de hechos y circunstancias que hacen perder la coherencia interna de la historia (como la visita incomprensiblemente nocturna a una cabaña perdida en el bosque que hace el psiquiatra de las niñas, o el "juego" entre el tío bueno que adopta a la niñas y la tía mala que pretende la custodia cuando bien pensado el "malo" es él que impide a la tía ver a sus sobrinas). La urdimbre que se había ido tejiendo se deshace en detalles simples e incomprensibles, precipitándose todo ello en un final inconsistente, que para mi gusto es lo peor de la película.
Ni el trabajo de los actores ni la banda sonora pueden nada contra una historia que va decayendo conforme avanza.
Tras verla no me quedé con la sensación de haber tirado el dinero, pero sí con una clara sensación de insatisfacción, y la idea reforzada de que los trailers de las películas sirven para venderlas, pero son un mal escaparate de lo que luego se verá en el cine.
Si eres incondicional del género de terror, como es mi caso, irás a verla, e incluso te recomiendo que lo hagas, seguramente te interese y te guste ver algunas buenas escenas, y la historia en sí. En caso contrario ..., decide tú. Pero cuidado con guiarte por estas palabras e ideas que vuelco aquí, no son más que mi apreciación personal y subjetiva. Cada uno tiene su propia percepción subjetiva, y más en un disciplina como el cine. Ante la duda podéis ir a verla, seguro que, a pesar de todo, os merecerá la penar pasar un rato distraído.
Un saludo y gracias por haber dedicado un poco de vuestro tiempo en la lectura de esta reseña persona.
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ARGO
Por Prometeo (09-02-2013)
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| Estrenada en 2012 |
"Argo" es una película que se podría clasificar como de suspense, que cuenta una historia basada en hechos reales, y como suele suceder en no pocas ocasiones, éstos superan cualquier ficción. Pero pienso que realmente eso de "basada en hechos reales" es más un reclamo publicitario que un verdadero valor añadido. Sólo me importa y valoro la historia, su génesis no la hace mejor ni peor, sólo se queda para el anecdotario.
Cuenta la historia el montaje que ideó la C.I.A. para poder sacar a seis diplomáticos estadounidenses de la casa del embajador canadiense en Irán, donde se habían escondido, en plena revolución y con el conflicto de los rehenes estadounidenses retenidos en la embajada de ese país como fondo, sucedido en noviembre de 1979. Una situación complicada que requería de una idea atrevida.
Esta película, dirigida e interpretada por Ben Affleck, parte de una historia interesante y atrayente, que desarrolla con interés y con la misma calidad con la que la dirige. Los actores dan la talla, y el que menos está correcto, como sucede con los seis diplomáticos escondidos que hay que sacar de Irán. Se trata, pues, de una buena película, pero con sus más y sus menos.
Después de verla tuve la sensación de que le faltaba algo. Por un lado la interpretación de Ben Affleck, de la que eché en falta algo más de garra y de fuerza, como si le faltara capacidad para transmitir toda la profundidad de su personaje. Por otro lado, la historia no es tratada con la misma seriedad cuando relata el contacto con cineastas (Alan Arkin y John Goodman) para poder llevar a cabo su idea para sacar de Irán a los seis diplomáticos escondidos, y la parte desarrollada desde esa perspectiva. Llega a tener cierta comicidad que contrasta negativamente, a mi parecer, con el resto de la historia. No está bien conseguido ese contraste. En esa parte de la historia se desarrollan personajes que no parecen reales, si no "de película", es decir, tópicos, efectistas, superficiales y sin profundidad.
Esos dos aspectos han sido los que han hecho que no me "metiera" totalmente en la película, a pesar de recrear una historia interesante y con posibilidades.
En definitiva, para mi gusto una buena película que flaquea en algunas partes no poco importantes, lo que le hace perder algo de interés. A pesar de todo está bien dirigida e interpretada y merece la pena ir a verla (aunque ya estará en pocos cines dado que se estrenó hace varios meses). Echará un rato agradable que le emocionará y le tendrá en tensión.
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EL CUERPO
por Prometeo (29-12-2012)
Entretenido y vistoso thriller de Oriol Paulo, guionista y director de esta película agradable de ver. Con muy buenas maneras, aunque sin ser ninguna obra maestra, consigue disipar sus defectos con un ritmo y una historia que nos atrapan desde el primer momento, creando una intriga que sólo parece poder desvelarse a través de los personajes. De esta forma nos metemos en la piel de Hugo Silva, intentando entender lo que sucede, nos inquieta la actitud sugerente y engañosa de su mujer, Belén rueda, cuyo cuerpo desaparece, y nos impertinenta como contrapunto un José Coronado (el inspector de policía) algo obsesionado y bien interpretado, que dirige la investigación de la desaparición con mano firme.
He leído muchas críticas en internet que acaban haciendo la comparación con Alfred Hitchcock, como si cualquier película que tenga algún elemento ya utilizado, creado o perfeccionado por Hitchcock fuera un guiño o una influencia directa hacia éste. Las comparaciones siempre pueden hacerse, y tal vez haya algo de cierto en ello, pero acaban cayendo en un tópico fácil que nada aporta. "El cuerpo" es original por sí misma, desde su planteamiento, pero evidentemente en una película de género siempre encontraremos antecedentes de todo tipo. Entiendo esas críticas en el sentido de que no es una película innovadora en ningún sentido, pero creo que es suficiente el entretenimiento que produce sin necesidad de innovar (ya hemos dicho que no es una obra maestra).
Me han gustado los actores, no sólo los principales. Los personajes principales, creíbles a pesar de estar muy marcados (aspectos resaltados de su personalidad que la definen claramente), son interpretados con oficio y calidad.
Tal vez la parte central de la película sea algo más plana en su planteamiento, pero se entiende que la historia parece requerirlo en la forma en que está contada, pues las cosas van sucediendo una detrás de otra para afianzar la situación de angustia que va creciendo en Hugo Silva y reafirmar la teoría del inspector.
Una película más que muestra la calidad y el buen hacer del cine español, al menos de determinado sector de él, valiente, con las ideas claras, sin complejos y sabedor de que la calidad no está reñida con la rentabilidad.
En general una buena película de género, con intriga y un final inesperado que siempre se agradece ( y que como en la película "Los otros", y salvando las distancias, nos descubre una realidad diferente), que hará pasar un rato entretenido y bien invertido.
No puedo decir si una película es buena o mala (eso lo dejo a los profesionales), tan sólo si me gusta o no y por qué. Recuerdo siempre al excéntrico crítico de cine Carlos Pumares, cuando en un programa de radio que tenía hace ya muchos años a altas horas de la madrugada daba gritos (que a menudo me despertaban) pro lo harto que estaba de que alguien le preguntaba si una película era buena o mala. El venía a contestar al oyente (dejándole con las ganas de su opinión como crítico) que si la había visto, le había gustado y le había entretenido entonces era una buena película, pero que si le había aburrido era una mala película. Y creo que tenía bastante razón, los críticos profesionales están para analizar (aunque a veces no se den cuenta de sus propios sesgos), y los demás estamos para disfrutar del cine. Quien tenga inquietud que se interese por algo más, pero quien no, tiene suficiente con su propio gusto.
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"INVASOR"
Por Prometeo (08-12-2012).
Me encanta ir al cine. No lo puedo evitar. Esa pantalla gigante, las cómodas butacas, palomitas y un refresco, el móvil apagado ... Todo un tópico, no lo voy a negar, pero me encanta. Y si vas entre semana además tienes todo el cine para ti sólo, toda una gozada. No es como en casa, donde acabas viendo una copia de internet de cualquier manera, pueden llamar a la puerta, o tienes que coger el móvil. No es lo mismo.
Estaba esperando con ganas el estreno de "Invasor", de director Daniel Calparsoro. Me parecía que tenía buena "pinta": española, de acción y con actores conocidos y solventes (Alberto Ammann, Antonio de la Torre, Karra Elejalde e Inma Cuesta como actores principales).
El que sea española ya es para mí un valor añadido, aunque no todo el cine español goza de mi beneplácito. Para no ahondar más en esto sólo diré que parecía no ser el drama de denuncia social y de personajes marginales que tan cansinamente se ha repetido para mi gusto en la temática del cine español.
Por fin pude ver la película. Yo la calificaría como un drama moral de acción, con unos actores solventes en unos personajes no tal solventes. La película comienza bien, pronto intuimos que algo le va a pasar a esos médicos militares en la guerra y así es. Se inicia entonces una trama bien urdida, bien desarrollada y mejor resuelta (si hubiera sido americana creo que habría tenido otro final). Conjuga cuatro elementos básicos: la guerra, la familia, el dilema moral y los poderes fácticos capaz de cualquier cosa para preservar el sistema de poder imperante. Se van contrastando a lo largo de la película para lograr el efecto buscado.
Lo que tenía tan buena pinta empieza a cojear gracias a un guión mejorable, que antepone determinados tópicos morales que hacen al protagonista tomar inicialmente decisiones muy loables pero inconsistentes.
Los personajes son pocos y están muy definidos, pero sin variedad de matices, demasiado linealmente definidos, la historia se presta a ello, pero nosotros nos quedamos con las ganas. Por ejemplo del personaje de Karra Elejalde, del que tenemos la sensación de que le falta algo a pesar lo impecablemente que está interpretado.
Cada vez estoy más convencido de la importancia de un buen guión para una buena película, y ésta no lo tiene.
Se trata de una historia hasta cierto punto previsible, atípica del cine español, más propia del cine americano y con los mismos tópicos pero mejor tratados, con escenas de acción bien construidas, especialmente impecables las que tienen lugar en la guerra de Irak, y un buen ritmo. Pero no salí de la sala con buenas sensaciones, faltaba algo para poder calificar la película de buena. En mi listón queda por debajo.
En general diría que es una película floja que se deja ver, que lo más original que tiene es la idea en sí y el final, y lo más flojo el guión y el perfil unidireccional que éste le infunde a los personajes. Lo mejor: ver trabajar a buenos actores.
Si merece la pena o no ir a verla es algo que tendrán que decidir ustedes después de ir a verla, pues la opinión es demasiado personal y subjetiva como para que otro la tenga por ustedes.
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FIN.
Por Prometeo (24-11-2012).
Hoy voy a comentar la recién estrenada película española Fin (se estrenó ayer, 23 de noviembre de 2012).
Ante todo quiero hacer una consideración. Yo no soy ningún especialista, y no me siento con autoridad para decir lo que está bien o está mal, tan sólo puedo modestamente comentar lo que a título personal me parece una película. Los hermanos Cástor y Pólux, a los que me une una amistad de muchos años y a quienes felicito por poner en marcha la idea de este blog, me pidieron, sabedores de mi interés por el cine, colaborar en Obtentalia con mis comentarios sobre películas de estreno. Y por eso está este comentario hoy aquí, no porque yo haga crítica de cine ni mucho menos.
Ya sabemos que la publicidad es muy importante para vender una película y que acudan muchas personas al cine. Se suelen crear unas expectativas muy generosas, tanto que la gran mayoría de las veces no se cumplen. Y esa es la sensación general que he tenido con esta película, Fin, la de que podía haber sido más.
Analizada por partes encontramos muy buenas maneras en Fin. Por ejemplo, la dirección del novel Jorge Torregrosa muestra buen oficio y está a la altura. Los actores igualmente están bien, incluido Andrés Velencoso, que se estrena con esta película, aunque no son papeles para lucirse, pues destaca más el aspecto coral del reparto. Las localizaciones exteriores son impactantes. El por qué de lo que sucede es una incógnita que aporta ese punto de intriga y tensión que se mantiene a lo largo de toda la película. No faltan elementos imaginativos y momentos de tensión argumental y visual, como la escena de las cabras en el desfiladero, los perros persiguiéndoles, la vista desde el ala del avión, y por supuesto lo que les va sucediendo desde que comienza el suceso extraño en el campo hasta el mismo final, que es el hilo conductor de la historia.
Lo que sucede, lleno de simbolismos, no lo sabemos, y hemos de interpretarlo. Ello no es ningún ingrediente negativo, más al contrario, estimulará nuestra imaginación y nuestra capacidad para interpretar si se trata de puro simbolismo o de una metáfora más o menos explícita (o ambas cosas), aunque entiendo que eso pueda no gustar a todo el mundo, máxime estando acostumbrado a un cine mucho más explícito. Pero tampoco está aquí el problema de la película.
Yo hecho en falta un guión en el que cada frase y casa situación aporte más a la cohesión del producto final. La película intenta ser coral y ahondar en las motivaciones personales de cada personaje. Pretende presentarnos a éstos a través de su “convivencia” de fin de semana, para ahondar y explicar después sus reacciones frente a lo que sucede. Pero parece haber una brecha entre esa “convivencia” con la que se inicia la película y todo lo que sucede después, lo que, a mi gusto le hacer perder cierta incoherencia interna, cierta credibilidad. No se ve plenamente necesaria toda la reunión inicial y lo que en ella sucede para justificar las reacciones posteriores frente a lo que sucede.
Incluso parece que hacia el final de la película decae un poco el ritmo, a pesar de contener las escenas que suceden en el solitario pueblo (el león, la niña, la libreta de dibujos).
En definitiva, buenas maneras para una película que me ha sabido a poco. Se puede ir a verla y pasar un rato agradable y distraído, sin tener la sensación de haber tirado el dinero. Pero yo busco algo más cuando voy al cine. Tal vez el cine español nos esté acostumbrando mal al producir o dirigir películas de un nivel muy alto, la última de ellas, por ejemplo “Lo imposible”, y ponemos nuestras esperanzas en cualquier producción de género ya por el sólo hecho de ser española. Pero es difícil, muy difícil, llegar a la genialidad.
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“LO
IMPOSIBLE”
Por Prometeo
(13-10-2012)
El jueves pasado –anteayer- se estrenó, entre otras,
la película “Lo imposible”, una super producción española dirigida por Juan Antonio Bayona. Se trata de un drama de acción, por decirlo de alguna forma.
La acción transcurre durante y después del tsunami que asoló hace unos años el sureste
asiático, y el drama es el de la supervivencia y los sentimientos y emociones que
afloran ante una situación extrema.
No se trata de una película de catástrofe al uso, es
ante todo un drama. Esta segunda película del director (la primera fue El
Orfanato) no deja indiferente, tanto por las cuidadas escenas del destrozo que
produce el tsunami, con unos efectos especiales muy conseguidos, como por el impecable
trabajo de los actores, incluido el hijo mayor de la familia protagonista,
encarnado por Tom Holland. La pareja protagonista, los padres, Naomi Watts
(trabajó entre otras en The Ring) y Ewan McGregor (trabajó entre otras en La
Isla), llevan el peso de la interpretación, junto a su citado hijo mayor.
También aparece un par de veces la española Marta Etura, a quien es difícil
reconocer si no sabes que es ella. Asimismo aparece en una escena Geraldine Chaplin -hablando con el hijo mayor-, quien también trabajó con el director en El Orfanato.
Sólo un buen guión puede hacer una buena película, y
ésta lo tiene. Nos muestra un cine español que sigue vivo de ideas originales,
de producción y especialmente de calidad.
Como drama que es tiene una cierta tendencia hacia el
sentimentalismo, pero en cualquier caso está justificado ante la extrema
situación que se vive. Si los dramas suelen hacerles llorar éste no será menos.
Llorarán y se les pondrán los pelos de punta más de una vez. Creo que aunque no
gusten las películas dramáticas la acción de fondo facilita su visionado.
Es una película con un tema difícil de realizar sin
caer en el melodrama o en el efectismo de la acción. Creo que esta película
logra el equilibrio gracias a un muy buen guion y una muy buena dirección.
Quien vaya buscando acción encontrará acción, pero no una película de acción,
sino el drama personal de una familia que vivió aquél desastre natural que
conmovió al mundo, y aún hoy lo conmueve.
Tal vez quepa destacar la forma de mostrar la relación
de la madre con el hijo mayor, a través del dolor y del miedo de la situación,
pero también a través del amor mostrado cuando más se necesita.
Esto no dejan de ser unas consideraciones personales
que para nada deben influirles a la hora de ver la película, que, como
cualquier obra de arte, está sujeta a interpretaciones y a la emoción subjetiva
que produce. Pero para mi gusto la película es totalmente recomendable.
WEB OFICIAL: http://www.loimposible-lapelicula.com/
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